Un video di pochi secondi: luci neon, una scena di Euphoria, una musica perfettamente sincronizzata, tagli rapidi che seguono il ritmo, milioni di visualizzazioni e commenti. Non è un trailer ufficiale, non è una produzione cinematografica. È un edit.
Eppure, nonostante la cura, l’impatto visivo e la capacità di emozionare, questi contenuti raramente vengono considerati arte. Restano confinati in una zona ambigua: troppo elaborati per essere semplici video amatoriali, troppo legati al digitale per essere riconosciuti come espressione artistica. Ma forse il problema non è negli edit. È nel modo in cui continuiamo a definire l’arte.
Il montaggio come forma espressiva
Gli edit vengono spesso liquidati come “semplici video tagliati e incollati.” Una definizione che non solo è superficiale, ma anche fuorviante. Realizzare un edit significa selezionare immagini, costruire un ritmo, aggiungere le giuste transizioni, creare una narrazione implicita, spesso anche completamente nuova rispetto all’opera originale. Non si tratta di aggiungere contenuto, ma di trasformarlo.
Questa idea non è affatto nuova. Già nel Novecento, il regista Sergei Eisenstein sosteneva che il senso di una sequenza nasce dal montaggio, cioè dall’accostamento delle immagini. Il cinema stesso, quindi, è arte non solo per ciò che mostra ma per come lo organizza. Se accettiamo questo principio, diventa difficile sostenere che un edit, che utilizza lo stesso linguaggio, sia qualcosa di inferiore. La differenza, più che estetica, sembra essere culturale.
Dalla cultura partecipativa al Pro-Am
A rendere gli edit ancora più significativi è il contesto in cui nascono. Viviamo, come sostiene Henry Jenkins, in una cultura partecipativa, in cui il pubblico non si limita a consumare i contenuti, ma li rielabora, li interpreta e li trasforma. Gli editor non sono spettatori passivi: sono autori. Attraverso i loro video riscrivono i personaggi, enfatizzano relazioni, cambiano il tono di una storia.
Oggi emerge una figura ibrida che sfugge alle categorie tradizionali: il cosiddetto Pro-Am, professional e amateur, descritto da Charles Leadbeater e Paul Miller come un soggetto che lavora per passione ma sviluppa competenze di livello professionale. E gli editor si collocano esattamente in questo spazio. Non sono vincolati dalla professione, ma non sono semplici appassionati: utilizzano strumenti e software per produrre contenuti che possono raggiungere livelli tecnici ed espressivi alti.
Gli edit utilizzano la “remix culture”
Questo processo si inserisce in una dinamica più ampia, quella che Lawrence Lessing definisce “remix culture“: una cultura in cui creare significa anche rielaborare ciò che esiste già, generando nuovi significati.
Un esempio di questo fenomeno è quello dell’edit virale su TikTok dedicato all’attore Timothée Chalamet nel 2020. Un estratto dal film Chiamami col tuo nome in cui l’attore accenna un movimento di danza, è stato rielaborato con sottofondo la canzone Play Date di Melanie Martinez e un montaggio ritmico, che alterna sequenze a rallentatore e accelerazioni. Il video ha raggiunto oltre 56 milioni di visualizzazioni, generando numerose versioni derivate e parodie.
Questo non è l’unico caso, ma mostra con chiarezza quanto gli edit siano ormai parte attiva della cultura visiva contemporanea. Eppure, nonostante il loro impatto, continuano ad occupare una posizione marginale nel riconoscimento artistico. Il motivo è che siamo abituati a definire l’arte: originalità, unicità e legittimazione all’interno di contesti istituzionali come musei, gallerie o circuiti editoriali.
Gli edit funzionano in modo completamente diverso. Nascono su piattaforme digitali, facilmente replicabili, spesso anonimi e continuamente rielaborati da altri utenti. Non esiste una versione definitiva, né un autore stabile. In questo scenario, attualmente pensare che l’arte è completamente originale è sempre più difficile: tutto, in qualche modo, è già stato visto, raccontato, rielaborato. La creatività non scompare, ma si sposta sempre più verso la reinterpretazione, l’appropriazione e la trasformazione continua delle immagini.
Il loro legame con il digitale, però, contribuisce a sminuirli. Piattaforme come TikTok li inseriscono in un flusso rapido e continuo, dove anche i contenuti più curati rischiano di apparire effimeri.
Gli edit possono diventare arte?
Eppure, il loro impatto è tutt’altro che marginale. Gli edit influenzano concretamente la cultura visiva contemporanea: film come Fight Club hanno conosciuto una nuova popolarità grazie alla loro diffusione online; serie tv come The Vampire Diaries e Gossip Girl continuano a vivere attraverso il lavoro degli editor; produzioni più recenti, come Euphoria e Heated Rivalry, vedono la loro propria estetica amplificata e reinterpretata sui social. In alcuni casi, non è l’opera originale a diventare virale, ma la sua versione rielaborata.
A questo punto, la domanda è inevitabile: se un contenuto è in grado di emozionare, comunicare, reinterpretare e influenzare, cosa manca perché venga riconosciuto come arte?
Forse la risposta sta nei criteri con cui definiamo l’arte: originalità, unicità e legittimazione istituzionale, appartenenti a un sistema che oggi non è più l’unico possibile. Il mondo visivo attuale è fluido, collettivo, instabile. E soprattutto, è aperto.
Naturalmente, non tutti gli edit sono opere d’arte, così come non tutti i film lo sono. Ma questo non invalida il mezzo. Al contrario, dimostra piuttosto che anche all’interno di questa forma espressiva esistono diversi livelli di qualità, intenzione e consapevolezza.
Forse, allora, la questione non è stabilire se gli edit siano arte oppure no. La vera sfida è accettare che l’arte, oggi, può nascere anche fuori dai luoghi in cui siamo abituati a cercarla. Siamo noi, quindi, a dover aggiornare il nostro sguardo.
